Lívia Pereira - Professora de língua portuguesa

Lívia Pereira, 22 anos - professora de língua portuguesa das redes estadual e municipal de Nova Iguaçu - comenta sobre o espetáculo “A noite que ele não veio”, apresentado no dia 28 de maio pelo ‘Projeto Mostra Colisão’, confira abaixo: 

Foto do espetáculo teatral "A noite que ele não veio"

“A primeira coisa que me encantou foi o cenário da peça, em seguida, os artistas imóveis no palco transmitiam uma sensação um tanto intrigante. O espetáculo foi completo, nada hipocritamente falando. Se a intenção era agradar ao público, falo por mim quando digo que me agradou profundamente. Há tempos não assistia a uma peça que me preenchesse de tal forma.” 

Opinião de Lívia sobre o debate após o espetáculo: 

“A ideia do debate é interessante, pois é um momento em que tomamos parte dos bastidores, entende-se melhor o processo de criação. Quanto aos debatedores, creio que alguns comentários sejam totalmente desnecessários. Fica a sensação de que não se tem muito a dizer, então, fala-se além do que é de fato real. Alguns foram sucintos em seus comentários, declarando-se com total sutileza, sendo que houve uma crítica que me fez levantar de onde estava e ir embora, devido a total empatia que senti a ponto de me fazer sentir vergonha do que estava falando. O que vem a ser "contundência" afinal? Um grupo com poucos recursos e muita vontade! Isso é ambicionar e conseguir alcançar objetivos! Amei a inclusão da tecnologia no espetáculo até porque estamos vivendo uma era totalmente voltada à tecnologia e se ficaria melhor no "mano a mano", ao vivo, "cara e coragem"... bom, isso eles fizeram bem demais também. Concluindo, parabéns ao Nós da Baixada. Parabéns!"

Eles comentam - 'A dama da noite'

Após todos os espetáculos três profissionais com experiência no campo artístico e cultural, que tem trabalho reconhecido nessa área, irão comentar sobre o espetáculo e dar seus 'pitacos'. Neste, Wilson Belém, Marcia Valeria e Breno Sanches, comentam sobre o ultimo/nono espetáculo exibido no colisão teatral: "A dama da noite".

Breno Sanches

“Eu fico louco para ver ele se dilacerando aos poucos, mas ele já chega dilacerado” - Comentou a presença da roda no texto, da roda no cenário, mas sentiu falta dela mais presente no espetáculo. “Tem uma coisa que ele entra por essa roda e ali dentro está sustento, preso na roda, e ele fala o tempo inteiro dessa roda, e acho que sinto falta dessa roda no espetáculo”, disse. O personagem vem em um tom de questionamento, ele se revela muito. Uma pessoa querendo se colocar para fora. “Eu fico louco para ver ele se dilacerando aos poucos, mas ele já chega dilacerado”, comentou. Uma das questões que o intrigou foi o personagem ficar muito mais tempo sentado, que ter movimentação dentro da roda cênica criada pelo cenário. “Ele fica noventa e tantos por cento sentados, e ele fica muito tempo ali, ele é uma pessoa que está tentando se encontrar, então senti falta de uma acelerada”, finalizou.

Marcia Valeria

“Só ajuda e complementam, além de me presentearem nesta noite” - “Fui tomada pelo espetáculo”, iniciou Marcia. Comentou que o espetáculo tem uma boa direção e encenação. “Quando eu via a jaqueta, pensei – ‘Essa jaqueta não combina com esse boy’ – Mas depois que ele pede a jaqueta de volta, eu pensei – ‘Perfeito’”, disse. Algumas coisas lhe chamaram atenção, e como ela mesma disse: “Sou virginiana, muito detalhista”, brincou.

1º Luz – “Ela acaba tirando a tonalidade das rosas vermelhas do cenário, tirando a cor delas”.

2º Presença do ator Marcos Zandonai – “Eu preferia ter visto nos olhos dele, e não ter que virar para trás e perceber um outro ator, que no casaco falta um botão. Ou coloca um botão, ou tira esse cara. Queria ter ficado com a impressão de ter visto nos olhos do personagem, uma coisa que o espetáculo não me deixou”.

3º Figurino – “Acho o figurino bárbaro, devido ter a brutalidade da bota, e a suavidade da renda, mas o brilho da echarpe é indispensável. O tecido e o alongamento dele, ficam perfeito, mas não precisa do brilho”.   

Aplaudiu a direção, atuação, cenário e figurino. Praticamente o espetáculo todo, sendo ela apenas plateia e não debatedora, pois o mesmo conseguiu a envolver. “Só ajuda e complementam, além de me presentearem nesta noite”, finalizou.

Wilson Belém

“Fico pensando no olhar de hoje” - “Não pegar o cara pelo impacto, pelo choque, e sim, pegar pela delicadeza”, disse, sendo essa uma das coisas que ajudam no espetáculo. A solução de luz ficou completamente coerente quando se fala de morte. “Esse tema da morte trazida pela visibilidade do surgimento da aids – como retrata no conto de Caio Fernando Abreu – vincula morte e amor de tal forma que a doença acabou adquirindo uma coisa simbólica”, contou. O espetáculo traz e cria esse texto que é belíssimo, falando de uma ultima geração que teve uma crença, uma ideologia. Há um dialogo entre a geração de 80 e 90, a mesma do autor do conto, Caio, com essa nova geração. “Fico pensando no olhar de hoje; Em alguns momentos eu senti falta desse olhar de hoje sobre essas duas gerações”, comentou. Com emoção na palavra, o desempenho do ator José de Brito emocionante. “Fico pensando em será que hoje não seria interessante pensar num certo distanciado? Esse olhar de hoje sobre essas duas gerações”, insistiu ele. Reparou em algumas ações pertinentes e ações físicas. “Tem horas que está no limite e chega a hora da não ação, deixando a palavra ganhar o corpo, com um olhar cínico, com amor e com as relações”, finalizou. 

Trabalhando com contos

29 de maio, domingo. Ultimo dia de colisão teatral e nada melhor que encerrar esse período com a apresentação do espetáculo teatral ‘A dama da noite’, da Cia. Nau dos loucos. A peça conta a história de uma personagem e sua vida solitária. Um monólogo que retrata essa personagem presa em uma roda hipócrita, como diz a mesma. O que não passa da sociedade cheia de preconceitos e pré-conceitos. Baseado no conto ‘A dama da noite’, de Caio Fernando Abreu, é um texto que relata a morte vista pelo surgimento do vírus HIV, vinculando o amor e a morte a partir da solidão de uma personagem.

A companhia existe há oito anos, desde 2003, trabalhando sempre com contos. Começou com uma pesquisa sobre o conto ‘A metamorfose’, do alemão Franz Kafka. “Na época, ao estudar o conto, montamos o espetáculo teatral ‘Uma metamorfose – Contos Kafkianos’ com quatro atores”, disse Marcos Covask, diretor do espetáculo, revelando a preferência da Cia. em trabalhar com poucos atores. Em seguida tentaram uma adaptação do texto “Fim de Partida”, de Samuel Beckett, rompendo a idéia de trabalhar somente com contos. “Embora ‘fim de partida’ não ter se tornado em um espetáculo, passou ser um caminho de percurso”, contou.

Em 2008, iniciou o processo de avaliação do conto ‘dama da noite’, de Caio Fernando Abreu. Um texto que não foi criado para teatro e que por muitas vezes foi adaptado para o mesmo. A companhia sempre trabalhando com o mínimo de atores possíveis resolveu ousar e criar um monólogo. “Queríamos trazer esse texto para a luz dos nossos dias, pois interessava para gente o que ele tinha de chocante, ao abordar a solidão focando nesta característica, não importando se o personagem é homem, mulher ou travesti”, disse Covask. O interessante do espetáculo não é quem é o personagem, e sim o que ele tem a dizer.

Quando José de Brito, ator do monólogo, viu o conto pela primeira vez, não quis falar sobre a proposta do texto, e relatou não ter gostado. “Somente quando fui lendo novamente que reparei o que estava por trás do texto, o que não é óbvio”, contou Brito. A partir disso ele começou a gostar do conto, e foi fazer o que eu acho que é o personagem. Sabia que havia várias adaptações do conto, porém não queria basear em cima delas, e sim, no que ele achava que seria. “Os ensaios foram na minha casa, onde foram feitas, em cima da mesa, as marcações; A partir da leitura conseguimos visualizar um espetáculo”, disse Brito.

Cada coisa foi planejada minimamente: As cartas do baralho, os fetos no cenário, e entre outras coisas. As cartas surgiram por que como foram usados objetos cênicos vindos da mesa em que Brito ensaiava, que ele tinha em seu alcance, ele tinha baralho. “Na mesa da casa dele ficamos com a referência de quem tem sorte no amor, tem azar no jogo, devido a isso achamos legal usar”, contou Covask. Uma coisa muito presente no personagem é a fala dele sobre a morte, e foi assim que surgiram os fetos no cenário. “Queríamos de maneira retratar esteticamente essa morte, e com isso foi surgindo concepções dos corpos bebes plastificados, dando a ideia de um feto, das pessoas ali mortas nos hospitais em potes de vidro”, comentou. Retratando não só a morte física, mas dos desejos, mas dos anseios.

O espetáculo já foi apresentado num total de oito vezes. O cenário é composto por umas rosas e fetos pendurados, o que mostra um pouco o delírio, a fantasia. “É um espetáculo que na nossa cabeça ainda está em processo, pois para mim, esse processo não se conclui enquanto não passarmos por uma experiência de temporada”, revelou Brito. Algumas coisas bastante pessoais fizeram com que Brito encenasse o texto, aliás, uma bela encenação. “Para eu fazer um texto tem que me afetar, pois se não me afeta, não afetará o outro”, afirmou, sintetizando que a simplicidade de determinadas coisas que lhe tocou. 

Eles comentam - 'A noite que ele não veio'

Após todos os espetáculos três profissionais com experiência no campo artístico e cultural, que tem trabalho reconhecido nessa área, irão comentar sobre o espetáculo e dar seus 'pitacos'. Neste, Paulo Marcos de Carvalho, Caique Botkay e Breno Sanches, comentam sobre o oitavo espetáculo exibido no colisão teatral, dia 26 de maio: "A noite que ele não veio".

Caique Botkay

"Gosto da ousadia, mas eu queria ter conhecido mais vocês, pois conheci um experimento(...)" - Achou muito curioso um elenco muito jovem fazer um tratamento, apresentado pelo espetáculo, com essa temática, a morte. “Durante o espetáculo eu cheguei a me perguntar se falavam sobre perda ou se falavam sobre um triângulo amoroso, fiquei querendo entender a temática do espetáculo”, disse. Relatou que o rompimento do tempo, misturando o presente, o passado e o futuro é uma coisa muito interessante e gostou da música ao vivo presente no espetáculo. Comentou sobre a ditadura militar, um período que acompanhou de perto, vivenciando: “Precisávamos de alegorias para representar o nosso sentimento em frente à ditadura, pois não podíamos falar com a clareza como se diz hoje”, afirmou. Uma das coisas que o incomodou, foi saber a opinião dos jovens, o que eles acham sobre o que estavam falando. “Teatro é transformação o tempo inteiro; Gosto da ousadia, mas eu queria ter conhecido mais vocês, pois conheci um experimento, um processo de trabalho, mas ainda não tive a oportunidade de entender vocês”. Por fim, revelou querer ver os mesmos jovens em um próximo espetáculo contando um pouco da realidade de cada um. “Eu senti falta um pouco da voz de vocês, e acho que vocês se dedicaram a uma determinada linguagem, cheios de vontade de fazer teatro, de garra, e eu queria ouvir a opinião de cada um sobre o espetáculo, pois a peça para mim ficou num universo flutuante, e não consegui visualizar qual era a intenção, ou proposta, do espetáculo”, concluiu.

Paulo marcos de Carvalho

“Eu fico perdido com tanta projeção no cenário, que acho desnecessária” - “O espetáculo tem uma proposta contundente e ambiciosa, sendo muito bom ver um grupo se arriscando, que de alguma maneira extrapola um lugar comum, daí acho que devemos colocar algumas questões para vocês pensarem”, iniciou. Sua primeira proposta: A questão do trabalho do ator. “Passa-me a impressão que na contundência de vocês, ainda procuram a resposta por que o ator fica no meio do processo”, disse. Ou seja, trabalhar um pouco mais o ator para uma proposta forte de espetáculo. “A direção poderia tirar tudo do espetáculo - o vídeo, o alçapão, a água, tirar tudo – e começar a trabalhar em cima do ator, pois o elenco é bom, mas vocês fazem uma proposta ousada e deixam todos esperando que o ator responda essa proposta, o que não acontece e precisa investir”, aconselhou Paulo, após fazer uma proposta de amadurecimento para o grupo. Sua segunda proposta: O cenário. “Eu fico perdido com tanta projeção no cenário, que acho desnecessária”.

Sua terceira proposta: A projeção audiovisual. “Não percebo muito como necessário, nada contra o high tech (Alta tecnologia), mas tem que ter muita consciência de como vai ser usado, pois acho melhor ver o ator dando voz ao que eu vejo na projeção, do que levar aos meios técnicos”, afirmou. Esses foram o três quesitos que lhe chamaram muita atenção, e sendo assim, comentou com fins de estar contribuindo com o espetáculo. “Vocês falam o tempo inteiro da liberdade, e acho que essa é a questão; Vocês precisam se libertar de um modelo padrão e investir, pois quando tirar tudo do espetáculo (forma que o mesmo deu como experimento), o ator vai aparecer, isso acontecendo, coloca tudo no espetáculo novamente”, finalizou Paulo.

Breno Sanches

"O figurino ficou no meio do caminho, uns mais acabados que outros, mas é algo que tem como resolver" - Entrou na questão do trabalho do ator que, como Paulo, sentiu um desnível muito grade. “O espetáculo é bem colocado, vai fluindo, e tem uma proposta muito boa, mas a cena fica acima dos atores”, disse. Comentou sobre a voz de alguns atores que se perdem, e a de outros que com mais potência acabam ficando desnivelada. Uma das coisas que lhe chamou atenção foi a projeção. “Eu acho melhor os atores fazendo isso e não necessitar do vídeo, pois eles resolvem muito bem pela encenação”, afirmou. Ressaltou sobre o cenário ser muito bem trabalhado e ter um ótimo acabamento, porém o figurino não responde essa expectativa. “O figurino ficou no meio do caminho, uns mais acabados que outros, mas é algo que tem como resolver, parou num caminho, porém no caminho certo”, disse Breno. Falou sobre o mar ser um protagonista no espetáculo, sobre ele levar embora, e trouxer quando ele quiser. “Essa força é muito boa, é muito bonito como espetáculo e na relação humana de vocês, tende muito a crescer, pois é bonito cenicamente”, concluiu.

Falando de forma poética sobre a perda

Neste ultimo sábado, 28 de maio, foi apresentado no Espaço de Cultura Sylvio Monteiro o espetáculo teatral “A noite em que ele não veio”. A apresentação foi pelo ‘Projeto Mostra Colisão’, que contabilizou ao todo nove espetáculos teatrais com oficinas/debates integradas após cada espetáculo. Com um cenário muito bem acabado, o espetáculo teve um belo repertório musical. Amariles (Carla Nunes) estava sempre a esperar por um amor a beira mar, como na noite em que ele, Raul (Madson Vilela), não veio, pois ali, não tinha alma. Um corpo vazio e um amor eterno. Que o mar o traga de volta, mas se não trazer, que junto à leve.

A história se passa no período da ditadura militar. Pescadores presos a uma ilha e contracenando com um protagonista essencial para o espetáculo, o mar. O grupo Nós da Baixada, oriundo do grupo ‘Nós no Morro’ que estabeleceu em 2007 por algumas sedes na Baixada Fluminense, encontra-se no Bairro Cerâmica – Nova Iguaçu. “A apresentação no Colisão Teatral contabiliza a quarta apresentação do grupo, que ainda busca uma identidade para crescer profissionalmente”, disse Anderson Dias, diretor do espetáculo e coordenador do espaço Nós da Baixada desde 2009.

O teatro permite essa construção coletiva, com pessoas tão jovens fazendo um trabalho teatral com seriedade, mostrando a vontade de realmente fazer teatro. O processo de criação do espetáculo teve duração de um ano e três meses. “Começamos pela leitura de ‘Ponto de partida’, do dramaturgo Gianfrancesco Guarnieri, onde a partir disso o elenco começou a pesquisar questões dramáticas desse texto para construir um objetivo”, disse Derson, como Anderson é conhecido por todos dentro do grupo.

“Nada surge do dia pra noite”, disse. Quebrando pedra por pedra para trabalhar com o teatro, o grupo tenta alçar novos vôos. “Desde 2005 temos o patrocínio da petrobrás, mas se não tivéssemos, não seria impossível criar o espetáculo, mas seria muito difícil”, concluiu Derson. Todo o processo foi complicado, conversaram com muitas pessoas para poder enriquecer o trabalho, relatando a questão da omissão ou a não ação de um cidadão no meio que ele vive.

Jessica Meireles e Marcelle Morais foram as autoras do texto. “As duas tem 80 por cento de participação na criação da dramaturgia, mas todos foram participando do projeto dando seus ‘pitacos’ para melhorar o processo”, contou Anderson, exemplificando que Rômulo criou a história de seu personagem. O objetivo do espetáculo é deixar cada espectador pensando no espetáculo e na temática que ele aborda. “Pensamos em um espetáculo e o Derson trouxe e proposta do ‘ponto de partida’, de Guarniere, a partir disso começamos a pensar em contar alguma coisa, passar para a plateia, algo que fizessem vocês pensar, assim como nos fez”, disse Jessica Meireles, que interpretou a personagem Dália.

Inicialmente foram muitos improvisos que geraram algumas cenas ainda presentes no espetáculo. O mar, um protagonista indispensável no espetáculo, foi tratado de forma poética como todo o texto. “Falamos dele como outro ser humano, e a linguagem poética foi uma coisa que fluiu de forma natural”, contou Marcelle Morais, interpretou o Pastor. Além do tipo de linguagem abordada no espetáculo, o mesmo, rompe o espaçamento temporal, juntando presente, passado e futuro. Uma história que relata a perda, o amor e preenche o tablado de mistérios.

Comentários principais sobre o processo de criação e o sentimentalismo, dos mesmos, em relação ao texto:

Ainon, pai de Raul (Thiago Zandonai) – “Quando o texto veio, achamos muito bacana e pesquisamos em todo seu entorno, o que acabou gerando uma bola de neve que a cada dia aumentava mais. Não gosto de personagens dramáticos, pois é uma deficiência minha, mas como ator eu tive que encarar e buscar o que eu tenho de melhor. Senti uma coisa tão paterna e comecei a me colocar no corpo dos parentes que perderam partes de sua família no período da ditadura militar. Fui me envolvendo tanto com meu personagem que coloquei o Raul como se fosse meu filho e eu estivesse sentindo aquela dor. Naquele momento eu ganhei o personagem, ou ele me ganhou”.

Raul (Madson Vilela) – “Para mim, o processo teve início logo quando o Anderson trouxe o texto e começamos a pesquisar tudo, e naquele momento uma coisa me instigou, e ainda é o que mais me instiga ate hoje. ‘Quem eram as pessoas que lutavam pela liberdade e davam a vida pela liberdade do povo? ’, essa era a questão. Até hoje eu pesquiso e minha busca é saber isso, como era essa coisa de peitar o poder, do por que o povo não tinha voz ativa. Meu trabalho é continuo e ainda não consegui finalizar meu personagem”.

Dália (Jessica Meireles) – “Para mim, em relação ao texto, quando começou o processo era muito distante, mas a questão da omissão presente no texto me ganhou e foi sobre isso que eu queria falar. Fui me deparando com omissões de todas as formas presentes na nossa vida, não só a omissão que existe no texto de Guarniere, mas sim, a omissão do amor, de perda. Percebi a covardia do Pastor em não contar o que ele sabe, e percebi o quanto ele foi covarde, porém voltei meu olhar para mim, e percebi o quanto eu sou covarde também. Questionei de que maneira, no momento que eu me calo, eu não dou mais poder aquela mão que bate”.

Eles comentam - 'Amargas Horas'

Após todos os espetáculos três profissionais com experiência no campo artístico e cultural, que tem trabalho reconhecido nessa área, irão comentar sobre o espetáculo e dar seus 'pitacos'. Neste, Sanaira D’Ávila, Marcia Valeria e Breno Sanches, comentam sobre o sétimo espetáculo exibido no colisão teatral, dia 26 de maio: "Amargas horas".

Sonaira D'Ávila

“Falta transição de cena, e o conflito é pouco explorado” - Com algumas coisas que são de recursos muito interessantes, o espetáculo tem um conceito logo de início e de fácil percepção, que em sua opinião, se esgota rapidamente por ser muito longo. “Alguns momentos eu vejo que tem uma coreografia, mas os atores não conseguem executar”, disse Sonaira, complementando que há falta de trabalho corporal dos atores. “Para este tipo de espetáculo, tem que ir além, ter um despudor e colocar para fora os ‘demônios’, assumir o corpo”, afirmou. Os demônios que Sonaira diz, é em relação a entregar-se mesmo e mostrar completamente a falta de pudor, já que essa é a proposta do espetáculo. Um dos pontos interessantes é o uso da cinta pela atriz, o que é de fácil percepção que a cinta é da atriz a não de sua personagem. Outro ponto interessante é o uso das cartas de Tarô. “O recurso da carta de tarô é interessante, mas também se esgota rápido, além de ser repetitivo e longo, quase um método didático, explicando o que significa cada carta”, comentou. Isso faz com que a peça perca completamente sua magia. “Falta transição de cena, e o conflito é pouco explorado”, disse. Insistiu na questão do despudor, de não pode ter medo, além de comentar sobre a decadência da personagem, que tem um pouco da decadência faltando na cena. “O espetáculo é ‘maldito’, mas os atores não podem deixar o medo para um tipo de espetáculo como esse, pois acaba sendo contraproducente em relação à história que se conta”, finalizou.

Breno Sanches

“Na parte das cartas, fica muito didático; Explicando o que significa cada carta que viu” - “O início já cansa um pouco!”, opinião feita por todos os debatedores, também reforçada por Breno. “Fica horas na primeira música e nada acontece; Podia entrar na hora da música com todo clima que a música proporciona”, disse. Afirmando gostar de textos do Bertold Brecht, uma coisa que ele achou interessante é a questão futura que ao mesmo tempo dela ser uma cartomante, o foco é muito mais no que ela passou como prostituta do que como cartomante. “Senti falta de saber quem era a pessoa que ela (cartomante) estava conversando, o porquê de a cartomante contar os seus segredos para esta pessoa ao ir comentando a história que ela viveu”, revelou. Sobre as cartas de Tarô, ele também teve a mesma impressão que Sonaira. “Na parte das cartas, fica muito didático; Explicando o que significa cada carta que viu”. Uma confusão ficou intrínsica em Breno: “Tem uns momentos que ela está aqui, eu visualizo a personagem o tempo inteiro, como se ela estivesse no passado e voltado ao presente, e fico meio confuso”, contou. Esta questão, pertinente não só entre os debatedores, mas em toda a plateia, deixou o texto um pouco confuso. “Onde pode haver essa desconstrução e qual a relação dela não esta ali, mesmo o público visualizando que ela está o tempo inteiro?”, indagou.

Marcia Valeria

“(...) Não é necessário assistir três vezes a mesma cena para se entender uma rinha entre dois personagens com o leque” - “Quando o espetáculo começa e demora, penso que trará algo novo, só que não aparece nada novo, e nenhum momento vem à utilidade”, disse. Deu sugestões em alguns figurinos, como: O da morte e da imperatriz. “Uma sugestão é o manto da morte ser maior do que é indo até os pés, cobrindo a cadeira, e o manto da imperatriz, que fica parecendo uma chapeuzinho vermelho, mas é uma impressão que causa, e parece muito melhor que isso”, comentou. Ainda no figurino, sugeriu um sapato que ajude esteticamente. “Devido à demora para abotoar, os sapatos não ajudam, vamos procurar algo que ajude na estética e no equilíbrio na hora de dançar”, sugeriu. Repetições, muita repetição de cena. “Pegue a cena, faça uma síntese de tudo e apresente ‘A cena’, pois não é necessário assistir três vezes a mesma cena para se entender uma rinha entre dois personagens com o leque”, exemplificou. A questão da cinta, muito pertinente, era perceptível que era da atriz e não da personagem. Finalizou comentando sobre o trabalho corporal onde os atores fazem as sombras de cada carta do tarô. “Necessita de preparação corporal para fazer as sombras, para ficar um espetáculo afinado, pois é fácil de perceber que é falta de preparação física e não de recurso técnico”.

O passado nas cartas de tarô

29 de maio, sexta-feira. O espetáculo teatral “Amargas horas” teve sua pré-estreia no “Projeto mostra colisão”. O texto e a direção são do Thiago Morelatto, também ator no espetáculo. O espetáculo é um produto do Projeto Cultural F.A.M.A. (Fábrica de Atores e Material Artístico), uma ONG que trabalha com curso livre de teatro para iniciantes, onde Thiago é um dos professores. 

O espetáculo narra o passado de uma cartomante, que ao estar jogando cartas para uma cliente, vai contando seu passado de quando era uma prostituta. ‘Amargas horas’ conta com quatro pessoas no elenco: A cartomante (personagem principal), a travesti, um cliente assíduo da Mansão, e uma outra prostituta. A peça foi ensaiada no período de dois meses, mas o processo todo foi em um tempo maior. “Comecei a escrever o texto em setembro de 2010, nisso eu passei de dois a três meses indo a bordéis e conversando com prostitutas, travestis, até mesmo alguns clientes”, disse Thiago Morelatto. 

Em fevereiro começou a procura dos atores para os personagens e no ‘Projeto Mostra Colisão’ estão estreando com o espetáculo. “Entramos no colisão com o objetivo de ouvir as críticas para engrandecer o espetáculo”, afirmou Thiago. O espetáculo é ousado, expõe os atores quando encarnados em seus personagens. André Muriarte é o responsável pelas coreografias de todo a peça.

A sombra chinesa acabou atrapalhando um pouco devido algumas formas não ficarem boas. “Pouco tempo para se preparar, e a questão das formas é uma coisa para se corrigir, não era para ser daquele jeito”, contou Morelatto. De acordo com o autor do espetáculo, tudo não se passava de um delírio da personagem principal, sendo muito reforçado na final do espetáculo com a alucinação de estar vendo morte em todas as cartas do baralho cigano. “Critica significa analise e recebemos isso com muito bom grado”, finalizou Alexandre Gomes, presidente do Projeto Cultural F.A.M.A.

Eles comentam - 'O fim da picada'

Produção do Colisão, representantes do Governo do Estado, elenco da peça
e debatedores

Após todos os espetáculos três profissionais com experiência no campo artístico e cultural, que tem trabalho reconhecido nessa área, irão comentar sobre o espetáculo e dar seus 'pitacos'. Neste, Paulo Marcos de Carvalho, Renato Neves e José Sisneiros, comentam sobre o sexto espetáculo exibido no colisão teatral, dia 26 de maio: "O fim da picada".

Paulo Marcos de Carvalho

“A utilização da sonoplastia tem muito afinação” - Iniciou comentando que é um mérito muito grande para os atores abordar uma temática pedagógica ou didática, pois é muito difícil falar desses assuntos sem ficar uma coisa chata. Não passou uma linguagem já dita pela maioria das pessoas, principalmente por ser uma coisa muito pertinente, o que é muito importante. Abordou alguns quesitos que pudessem ajudar de alguma forma os atores a melhorar o espetáculo, como: A questão das máscaras e a luz do espetáculo. “Os personagens vem numa dinâmica corporal e física que contam bem a história, mas quando colocam as máscaras o comportamento muda muito, isso poderia ser mais trabalhado”, afirmou. Em relação à luz, foi uma das coisas que lhe incomodou muito. “Quando começa a briga entre os personagens, a luz eu achei muito escura, mesmo depois eu entendendo o motivo, acho que o momento se estendeu um pouco mais”, disse. Citando apenas esses dois pontos como negativos no espetáculo, para ele, poderia ser mais elaborado e pesquisado. O que faria fluir de maneira mais dinâmica do que já é. “A utilização da sonoplastia tem muito afinação”, comentou, sendo um dos pontos que mais lhe chamou atenção positivamente. “Acho complicado os atores interpretarem mais de um personagem, usar vários elementos e fazer várias coisas, pois acaba complicando”, finalizou.

Renato Neves

"O principal mérito do espetáculo é o respeito com o espectador, independente de que idade seja, ou até mesmo classe social" - Renato já assistiu ao espetáculo há dois anos e simpatiza muito com esse tipo de teatro escola, ou educacional. “Vocês são a prova viva de que mesmo sendo teatro escola não é uma coisa foleira, pois para mim público é público, e tem que ser respeitado”, afirmou. Comentou que a sonoplastia do espetáculo é afinadíssima, e a luz também, para quem não se apresenta há muito tempo. A última apresentação do grupo foi em setembro do ano passado. “O principal mérito do espetáculo é o respeito com o espectador, independente de que idade seja, ou até mesmo classe social”, disse. A utilização dos elementos, essa coisa do lúdico, funciona muito bem e envolvem as crianças, inclusive as pequenas, porém tem vezes que se repete demais, e já sabemos que irá acontecer de novo, o que para Renato, foi uma das coisas que precisa ser analisada e pesquisada para um melhor resultado. “Os adultos entendem os códigos existentes no espetáculo, e ficam satisfeitos, até mesmo educadores ficam satisfeitos com o espetáculo”, comentou.

José Sisneiros

"Teatro infantil pra mim é muito difícil e tem coisas ricas(...)" - Revelou certo medo em relação à arte contratada, devido muitas pessoas usarem o teatro durante anos com esse mesmo objetivo de ser uma arte contratada. “Hoje, eu vi que é um espetáculo que tem um objetivo ajudando na saúde pública, e pra mim, tem tudo haver, atinge o objetivo”, afirmou. Alguns detalhes lhe chamaram atenção, porém citou só um: Assistir televisão pelo fundo da mesma. “Um detalhe bobo que algumas crianças podem perceber e comentar depois”, disse. Um dos motivos que lhe fez gostar do espetáculo foi por perceber que ali tinha pessoas preocupadas em querer fazer teatro, além da questão artística do espetáculo. “Teatro infantil pra mim é muito difícil e tem coisas ricas, quanto mais simples é mais difícil; E como é um espetáculo para criança, tem que fazer uma coisa com bastante criatividade para poder funcionar, assim como espetáculo”, finalizou.

Cuidando da saúde

Nesta ultima quinta-feira, 26 de maio, foi apresentado o sexto espetáculo teatral do colisão teatral: “O fim da picada”. O ‘Projeto Mostra Colisão’ além de apresentar espetáculos teatrais, promove uma oficina/debate após cada um deles com três profissionais reconhecidos no campo artístico e cultural, comentando sobre a criação, concepção, objetivo e as técnicas de cada espetáculo. Todos os espetáculos são gratuitos, o que ajuda a fomentar a produção artística e cultural na cidade.

O espetáculo apresentado nesta quinta retrata uma questão didática e educacional, alertando os perigos que a dengue pode causar numa sociedade. Trabalhando com bonecos, o espetáculo havia sido criado para um edital do Sesc Saúde no ano passado, porém só ocorreu o início do processo pelo edital. A apresentação foi pelo Sesc e não pelo edital. “No edital, exigia o uso de bonecos, o que era o foco do mesmo”, disse Malu Saldanha.

Um prova de luta e perseverança vindo de pessoas que querem fazer teatro, é a questão da sonoplastia. “Não temos operador de som, então o som fica atrás da cenografia, tocando direto, sendo todo programado com o tempo do espetáculo”, disse. O espetáculo ousa falar de uma coisa que precisa ser citada e reforçada para a sociedade usando uma linguagem diferente, uma nova forma de falar usando somente o gestual ou Clown mudo, justamente por ser uma coisa muito falada. “É como se estivéssemos falando da dengue, sem falar da dengue”, brincou. Toda a pesquisa foi feita em cima de desenhos animados, e o processo de criação demorou de dois a três meses.

A COMBI (Cia. Brasileira de Interpretação) trabalha especialmente com teatro infanto-juvenil, ligado a educação. Existente há 11 anos (desde 2000), é uma companhia pequena composta por quatro pessoas, o que se torna um pouco complicado, fazendo os atores interpretar vários papéis no decorrer do espetáculo. Mesmo com todos os integrantes da Cia. sendo moradores do Rio de janeiro, acabam tendo um campo de atuação maior na Baixada Fluminense. “Não que seja por uma questão de escolha, mas fazendo uma comparação dos últimos espetáculos, atuamos mais na Baixada”, afirmou Malu. A presença de representantes do governo do estado, um dos patrocinadores do projeto, foi marcada por Sassa e Luiza. Além de crianças da Escola Municipal José Ribeiro Guimarães, tendo faixa etária de sete a dez anos.

Eles comentam - 'À sua imagem e semelhança'

Elenco da peça, produtores do colisão e debatedores

Após todos os espetáculos três profissionais com experiência no campo artístico e cultural, que tem trabalho reconhecido nessa área, irão comentar sobre o espetáculo e dar seus 'pitacos'. Neste, Paulo Marcos de Carvalho, Renato Neves e José Sisneiros, comentam sobre o quinto espetáculo exibido no colisão teatral, dia 25 de maio: "À sua imagem e semelhança".

Paulo Marcos de Carvalho

“Eu vejo um monte de imagens, ele pinta de várias formas, a montagem e desmontagem da cena(...)” - “Há alguns anos acompanho o trabalho do Ribamar Ribeiro e acho um dos trabalhos mais importantes na área de informação e de incentivo, e talvez seja o melhor no Rio de Janeiro hoje, pelo menos em minha opinião, relacionado na parte de formação”, iniciou. De acordo com ele, o texto nos seduz e leva para dentro da proposta. “Queria começar falar um pouco de como o texto chegou aos meus ouvidos, pois em alguns bons momentos, o texto se perdeu, como uma televisão antiga e com interferência”, disse, colocando que deixou de embarcar em algumas cenas devido esse fator. Uma das coisas que acontece no teatro é a sedução a partir da palavra e que, junto com o corpo, faz uma boa cena. “Eu vejo um monte de imagens, ele pinta de várias formas, a montagem e desmontagem da cena, porém eu gostaria de visualizar mais imagens a partir do texto falado”, afirmou. Um texto tão saboroso, rápido e dinâmico, que deixou a impressão em Paulo que ele é rápido demais, ou seja, a palavra, às vezes, não chegava até ele.

José Sisneiros

“Iniciantes engajados na arte de atuar” - Nos últimos festivais de teatro que José Sisneiros participou como júri, percebeu a presença de Ribamar Ribeiro em todos com pelo menos um espetáculo. “Minha visão é que hoje, para mim, aconteceu teatro”, afirmou. Sentiu a mesma coisa que Paulo, a rapidez no texto. O que pode ser compreensível como um nervosismo do ator.  “Eu vi o cachorro (Léo Morais) com o rabo, e é o que eu gosto no teatro”, disse Sisneiros, sobre o ator que interpretou o cachorro da família. Dramaturgia feita por Ribamar Ribeiro e a sincronia da fala com o corpo, foram coisas que José Sisneiros adorou no espetáculo. “Iniciantes engajados na arte de atuar”, finalizou.

Renato Neves

“Eu gosto mais da energia da cena(...)” - Trabalha lá no CTI e conhece toda a concepção do espetáculo. “Eu conheço tudo, desde a história do texto até o nome, que fui eu quem o escolheu; Para mim, cabe especificamente, apenas concordar com toda a concepção do espetáculo, pois não tenho como falar de proposta, de montagem, e nada disso”, disse Renato. Revelou que como já participou do processo desde a montagem, uma das coisas que mais gosta é a energia da cena. “Eu gosto mais da energia da cena, e hoje eu acho que não percorreu o teatro inteiro, o problema não é a velocidade, mas acho que o texto era mal dito, ou não foi dito claramente”, afirmou. São processos educacionais, o que se entende. “Teve alguns momentos que eu achei a música baixa, mas o resto agente resolve em casa”, brincou.  

O que você assiste na TV é real?

Nesta ultima quarta-feira, 25 de maio, foi apresentado pelo “Projeto Mostra Colisão” o espetáculo teatral: “À sua imagem e semelhança”. O teatro do Espaço de Cultura Sylvio Monteiro estava lotado. Tinha normalistas, alunos do Colégio Estadual Professor Venina Correia Torres, alunos do Laboratório Cultural e dentre outros. O Projeto é uma mostra de espetáculos teatrais tendo após cada peça uma oficina/debate com três profissionais na área artística e cultural.   

A peça faz uma crítica bem humorada e exacerbada, ou cítrica, sobre a influência que a televisão exerce nas pessoas, inclusive as novelas. Onde em uma família aparentemente perfeita, que não há perfeição alguma, começa a decair até ter um ‘Grand finale’ que não tem como adivinhar. Com personagens faceiros e maquiagem excessiva, valendo a pena ressaltar: muito bem feita, o elenco conta com quinze atores. A peça é fruto da avaliação final da turma do CTI (Comunidade Teatral de Irajá). 

“Não somos uma companhia, mas sim, um movimento teatral chamado CTI (Comunidade Teatral de Irajá), tendo funcionalidade no SENAC de Irajá”, disse Ribamar Ribeiro, diretor do espetáculo e professor no CTI. Após a formatura, o espetáculo se torna produto da CTI, como muitos outros. “À sua imagem e semelhança” estreou ano passado, e foi um estudo dentro de teatro narrativo, especialidade de Ribamar. “Uma estrutura mais literária colocando a mesma para uma linha dramatúrgica teatral”.

O curso começou em agosto de 2009, onde se passa por todo o processo de avaliação e de estudo. São cinco avaliações, sendo a ultima, montagem de espetáculo. Em junho de 2010, estreou o espetáculo, e nos dias de hoje só faz algumas reformulações e apresentações do mesmo. A peça está prestes a completar um ano no próximo mês. Quando o espetáculo estava sendo montado, a cena de abertura foi a que Renato Neves, participante da mesa de debate do colisão teatral, mais gostou. “Calhei de cair no dia do espetáculo em que eu acompanhei todo o processo”, brincou Renato.

Eles comentam - 'Chapeuzinho vermelho pede socorro'

Produção do 'Projeto Mostra Colisão', Debatedores e elenco da peça

Após todos os espetáculos três profissionais com experiência no campo artístico e cultural, que tem trabalho reconhecido nessa área, irão comentar sobre o espetáculo e dar seus 'pitacos'. Neste, Renato Neves, José Sisneiros e Sonaira D'Ávila, comentam sobre o quarto espetáculo exibido no colisão teatral, dia 24 de maio: "Chapeuzinho Vermelho pede socorro".

Sonaira D’Ávila

“Podemos afinar enquanto processo para ficar um bom produto artístico, e não ficar só no comercial para brincar na escola” - Comentou que é interessante a ideia de atualizar os contos infantis, porém quando se modifica demais acaba virando uma coisa comercial. “Podemos afinar enquanto processo para ficar um bom produto artístico, e não ficar só no comercial para brincar na escola”, disse. Afirmou não gostar da dublagem que o espetáculo apresenta. “Ou assume que canta e vai cantar, ou assume e trilha; Canso-me um pouco vendo isso, me incomoda”, contou Sonaira, deixando claro que é uma opinião absolutamente pessoal. Seu ultimo questionamento foi sobre o espetáculo assumir uma identidade visual, e trabalhar com apenas uma unidade visual. “Não ficar levando e trazendo o cenário no palco”, finalizou.

Renato Neves

“Trabalho exaustivo é o que leva resultado” - “Você comentou que tem dificuldade de ter um grupo fixo, o que eu acho que há uma explicação bem clara, pois o tempo é o senhor das coisas, e se tiver trabalho, trabalho e trabalho, o mesmo gera a consequência, do trabalho ou não trabalho”, iniciou Renato. Falou sobre a dublagem da música, e que se não tem tempo e trabalho, não consegue ter um bom resultado com isso. “Não digo que precise ser exatamente a música ao vivo, o fundo pode ser gravado com a voz do ator com uns 10 a 20 por cento de volume e o ator canta em cima de um playback, conseguindo um resultado melhor”, afirmou, colocando a questão de quando a proposta do espetáculo não é um musical, não é necessário ser um cantor que atua, e sim um ator que canta. Posicionamento cênico, um dos pontos que ele achou justificável pela falta de ensaio, o que se torna complicado devido à luz se tornar inimiga dos atores. “Em alguns momentos a luz parava no peito”, disse.

Alguns tópicos da história chamaram bastante a atenção de Renato, como por exemplo, a borboleta virar uma fada, a o entrosamento dos dois porquinhos. “Acho muito interessante o jogo dos dois porquinhos, um entrosamento e uma leveza em cena, e para vocês que estão começando, enfim, acho que tem uma segurança legal”, afirmou. Porém, para ele, os dois funcionam melhor quando estão sozinhos tendo um jogo muito legal, vale ressaltar. Relatou o fato de haver alguns problemas na produção, principalmente na hora das músicas. “Trabalho exaustivo é o que leva resultado; Se você acredita, cai dentro e trabalha, que você vai ter uma música melhor apresentada e como você quer e não como você pode”, concluiu.

José Sisneiros

“O que eu entendi, é que vocês trabalham com recreação infantil” - Iniciou falando sobre as fases da vida, uma específica no caso, que é a junção do fator profissional acadêmico e do fator profissional sobrevivência, e quando os atores encontram-se nesta fase, acaba que ficam num processo de conflito permanente. “O que eu entendi, é que vocês trabalham com recreação infantil”, disse. Comentou algumas coisas que lhe chamaram atenção e que, para ele, são muito primárias, o que pode prejudicar e continuar fazendo. “As regras que se usam para se fazer teatro, são as mesmas em todos os lugares, o que difere é a questão da criação.”, afirmou Sisneiros, completando que podem fazer o mesmo espetáculo para recrear, porém com uma criação teatral. Esses detalhes, que são bobos, acabam passando despercebido pelos atores envolvidos no processo, como: o som atrás e uma pessoa cantando na frente. “Incomoda-me certos cuidados”. Entendendo a necessidade de se recrear, acho que se deve pensar na criação do espetáculo e do personagem. “Em relação ao trabalho de vocês, tem detalhes do canto e da sincronia de expressão, que tem que estar preparado para aquilo que o personagem exige”, disse, não observando nada de ruim em começar e tentar.

Adaptação de contos infantis

Chapeuzinho Vermelho (Paula Soares) chorado com medo do lobo

Nesta ultima terça-feira, 24 de maio, foi apresentado o espetáculo teatral “Chapeuzinho vermelho pede socorro”, a quarta peça do projeto colisão. O espetáculo é do “Valeu Produções”, e conta a história da chapeuzinho vermelho (Paula Soares) adaptada, com dois dos três porquinhos na história. O lobo mal (Erick Malvão), presente na maioria das histórias infantis, não ficaria de fora dessa aventura.

A proposta inicial da “valeu produções” era de ser uma companhia. “Eu e uns atores que não faz mais parte, tentamos fazer isso, porém acabei fazendo tudo sozinho”, Erick Malvão. Foi juntando-se com uma ou duas pessoas, e acabou montando a produtora. A idéia, ou objetivo, da produtora é pegar quem não é profissional e os fazer mostrarem trabalho, sendo assim podendo se tornar profissionais. “Sou diretor de teatro por insistência; Sou formado em letras, porém na área artística conto somente com algumas experiências no tablado”, afirma.

A produtora que se apresenta em várias escolas, não tem somente elas como foco, assim como focam no infantil, porém trabalham com teatro adulto na parte de improvisação. No espetáculo, em determinadas horas os personagens dublam músicas. “Trabalho com atores iniciantes, então é difícil, ensinar a cantar; O meu sonho é que os atores cantassem, e estamos tentando fazer isso, chegar nesse nível”, disse.

Como a intenção da produtora é de montar um grupo, estão lutando arduamente por isso, porém nunca conseguem dar continuidade, pois alguém sempre sai. “Chega à produtora e quer atuar, mas arrumou um emprego de telemarketing, daí sai”, exemplificou Malvão. O grupo acaba não se formando, o que faz concentrar o trabalho em cima dos que estão. Em uma determinada cena do espetáculo, a voz da vovozinha aparece do além, questão levantada por uma pessoa da plateia. “Na verdade existe um bilhete que tinha na casinha, mas não tava lá, por isso a voz da vovozinha ficou do além”, explicou Paula Soares.

Atores e processo de criação dos personagens:

Pablo, um dos três porquinhos (Renato Mendes) – Participa da produtora há um ano e meio, não teve muita dificuldade de encontrar o seu personagem. “Eu tenho facilidade com improviso no texto, e vejo muito desenho infantil”, disse. Teve um pequeno laboratório, onde o diretor passava algumas coordenadas, porém ele dava seus ‘pitacos’ no texto e buscava o personagem dentro de si.

Leko, um dos três porquinhos (Douglas Marinho) – Participa da produtora há duas semanas, e sua construção de personagem foi vendo peças infantis no site Youtube.com. “O tempo foi a dificuldade, pois entrei pra substituir o Jonathan, tive que correr para fazer o personagem”, disse.

Fada madrinha e Mãe (Thayane Settecerze) – Participa da produtora há uns seis anos. “Costumo pegar coisas de televisão e de peças teatrais quando vou assistir, com isso, vou juntando e sai meu personagem”, disse. Sempre procura saber sobre presença de palco, e teve a dificuldade de interpretar a mãe e a fada. “Tive duas semanas para a criação do personagem, e não consigo colocar a voz mais grave para fazer a mãe, então por isso, tive que colocar outros trejeitos no meu personagem”, finalizou.

Chapeuzinho vermelho (Paula Soares) – Participa a seis anos da produtora. Como participa há mais tempo, conseguiu criar o seu personagem. “Eu queria fazer uma chapeuzinho que não fosse a tradicional, e que tivesse uma idade intermediária”, disse. Pegou algumas referencias de musicais, principalmente o “Into the woods”, um musical onde a chapeuzinho vermelha adora doce e é obesa. “Eu tive um tempo de criação para ter uma voz, uma criação do personagem, e durante os ensaios eu fui aprimorando até chegar num bom produto, no que eu achava legal”, afirmou.

Lobo Mal (Erick Malvão) – Criador da produtora, que tem oito anos de existência. “Não tive muito processo de criação, por que quando eu escrevi o texto, eu dei para um ator que encenou o Lobo por um tempo, e depois teve que sair por motivos pessoais, ou seja, peguei muito dele devido termos criados juntos”, disse. Como já tinha feito o lobo mal há uns anos atrás, quando fazia teatro em shoppings nos espaços infantis, juntou tudo e para compor seu personagem.

Eles comentam - 'O príncipe que tudo aprendeu nos livros'

Produção do "Projeto colisão", elenco do espetáculo e debatedores

Após todos os espetáculos três profissionais com experiência no campo artístico e cultural, que tem trabalho reconhecido nessa área, irão comentar sobre o espetáculo e dar seus 'pitacos'. Neste, Marcia Valeria, Martingil Egypto e Sonaira D'Ávila, comentam sobre o terceiro espetáculo exibido no colisão teatral, dia 23 de maio: "O príncipe que tudo aprendeu nos livros".

Marcia Valeria

“Só esse ponto de partida de trabalhar com teatro dentro de um colégio, já é nota dez” - Relembrou que já havia assistido ao espetáculo no ano passado, na FETAERJ, e que seu comentário sobre as meninas usarem molecas foi seguido por Mauro Marquês. Parabenizou o Colégio Santa Mônica por ter aulas de teatro para os alunos, o que é uma iniciativa que deveria ser seguida em todos os colégios, conforme sua opinião. “Só esse ponto de partida de trabalhar com teatro dentro de um colégio, já é nota dez”, disse. Um dos eixos importantes que comentou foi sobre a projeção do ‘data show’ no corpo do ator, porém não entrou muito afundo e deixou a questão para o Martingil, que como cenógrafo, pode adentrar sobre o assunto. Reparou o figurino transparente de quem interpretou a senhora, vista pelo príncipe Azul como uma fada. “A saia é transparente e a bunda dela é linda, sendo difícil acreditar que essa velha tem essa bunda lisinha, toda poderosa”, brincou, fortalecendo que poderia usar uma calçola, pois a transparência da saia marca muito.

Comentou que em determinada cena o ator vai para frente do tablado e fala uma determinada frase, volta para a cadeira, ouve o que o outro personagem diz e vai novamente para frente do tablado e conta o que foi dito, interagindo com a plateia. “Esse deslocamento, eu entendo como uma queda de ritmo”, disse. Outra coisa que lhe chamou atenção foi o final do espetáculo. “O espetáculo já diz tudo, ou seja, no final não é necessário moralizar mais; Isso faz com que diminua o texto e o trabalho dos atores, não sendo necessário redizer o que o texto já disse”. O que achou mais lindo foi a diversão dos atores em cena, comentando que seriedade também é uma brincadeira, e isso é teatro.

Sonaira D'Ávila

“Concordo que tenha problemas visuais, mas não estou aqui para criticar (...)” - Comentou sobre problemas de tempo de cena, mas ressaltando que é coisa que se ajusta. E em seguida entrou na questão do grupo ser proveniente de uma escola. “Não precisa ser amador por ser escola, não é ser pobre, ou ser menos, ou de qualquer outro jeito, essa é uma condição que levamos e não precisa, pois tem uma estética, ou um pensamento artístico, que começa pela escola”, afirmou. “Concordo que tenha problemas visuais, mas não estou aqui para criticar, pois isso para a gente é fácil, não estamos envolvidos no processo”, disse. E por ser um grupo de jovens, aconselhou: “Não faça teatro achando que você irá para a globo”.

Martingil Egypto:

“Não é ruim utilizar, mas tem que tomar cuidado de não projetar no corpo do ator” - Relatou que já acompanha o trabalho de Mauro Marquês há alguns anos, e que acha de muita importância a sua disponibilidade para fazer esse trabalho com a garotada, alunos e ex-alunos do Colégio Santa Mônica. Relembrou a seriedade do grupo anterior, pois já havia assistido uma apresentação deles em Caxias e os atores eram outros, devido à renovação continua que ocorre na companhia, além de ter reparado a seriedade desse grupo. Em relação à questão do cenário, primeira coisa que a Marcia Valeria levantou, comentou que a utilização do ‘data show’ é valida, mas precisa tomar alguns cuidados. “Acabou imprimindo no rosto do ator um pedaço de castelo, ou de floresta; Não é ruim utilizar, mas tem que tomar cuidado de não projetar no corpo do ator”, afirmou. Comentou sobre o seu entendimento das imagens ao fundo, reproduzidas pelo ‘data show’, representar um livro a ser desfolhado. “Eu entendi por que no inicio eu vi um livro fechado com o título do espetáculo, mas faltou um pouco essa clareza de que era um livro, devido em alguns momentos ter uma página desenhada, outros uma fotografia”, disse, fortalecendo que se pretende passar a idéia de um livro, então que as imagens continuem em todo o espetáculo, ao invés de sair e voltar durante a história.